Proche de Jules Bastien-Lepage, Pascal Dagnan-Bouveret (1852-1929) est un peintre qui témoigne de comment le naturalisme se détache du réalisme, tout en en retrouvant le chemin par moments.

Émile Friant est un peintre qui, s'il a ses défauts de par son naturalisme, la tonalité photographique, a une démarche possédant certains aspects solidement ancrés dans le réalisme.

Paul Gondrexon, Paul-Louis Delance, Jules Adler ont réalisé quelques peintures engagées, mais les limites formelles reflètent une substance naturaliste incapable de faire face à la décadence anti-réaliste de la bourgeoisie.

Kasimir Malevitch (1878-1935) est un artiste russe d'origine polonaise qui a joué un considérable dans l'effondrement des arts et des lettres provoqué par le passage du capitalisme à son stade impérialiste.

Le carré blanc sur fond blanc, son œuvre la plus connue, n'est nullement une expérimentation artistique de type simpliste ; c'est au contraire l'aboutissement de tout un très long raisonnement dont le fondement est la séparation du corps et de l'esprit...

L'hebdomadaire L'Obs, nouveau nom du Nouvel Observateur, a consacré un numéro à Emmanuel Macron. Ce dernier en a profité pour tenir de nouveau des propos dont la teneur est la même que lors de son meeting à Lyon il y a peu : il n'y aurait pas de culture française.

Voici comment il expose sa ligne cosmopolite correspondant aux intérêts d'un capitalisme qui veut des consommateurs, pas des gens s'épanouissant dans la culture.

«Votre programme culturel, de l'éducation artistique pour 100 % des enfants au pass de 500 euros à 18 ans, rappelle les principes de Jean Vilar. Le patron du TNP et compagnon de route des communistes tenait que « le théâtre est un service public, comme le gaz, l'eau, l'électricité »...

Né en 1860 en Moravie, Alfons Mucha est un artiste très célèbre en France, ayant vécu longtemps à Paris, où il a réalisé notamment de nombreuses affiches, au style éminemment reconnaissable. Résumer le style Mucha à une approche simplement art nouveau serait une profonde erreur, aussi y a-t-il lieu de se pencher sur ses ressources artistiques, tenant au foklore national tchèque.

Initialement artiste autodidacte, car se voyant refuser par les écoles d'art, il commence une carrière à Vienne, puis Mikulov, avant d'aller étudier à l'académie des arts de Munich, tout en faisant partie de l'association artistique tchèque locale, la Škréta, spolek mladých českých výtvarníků v Mnichově, fréquenté également par des artistes d'Europe de l'est en général...

La Russie avait, à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, connu le mouvement des peintres ambulants, issu de la volonté d'artistes d'aller dans le sens démocratique. Pour cette raison, la monarchie tendant à être absolue a en partie soutenu ce mouvement contre la féodalité, tout en le réfutant en partie en raison de sa base démocratique, son orientation populaire.

L'Autriche-Hongrie connaissait une situation exactement similaire, avec une monarchie tendant à être absolue, se débattant contre la féodalité et les forces catholiques. On y trouve, dans un esprit parallèle aux ambulants russes, mais largement différent pour des raisons historiques, un mouvement d'artistes s'orientant vers la démocratie : le mouvement de la Sécession...

Avec Jules Breton (1827-1906), on a un titan du réalisme. Il est intéressant de voir comment Emile Zola l'attaque pourtant, à l'occasion de l'exposition de 1878, en rejetant ce qui serait un réalisme idéalisé :

« Jules Breton, de son côté, s'est acquis une célébrité en peignant des paysannes idéales. Il faut voir au Champ-de-Mars les beautés qu'il habille de toile grossière et qui ont l'allure de déesses. » ...

Léon Lhermitte (1844-1925) est une très haute figure du réalisme du XIXe siècle en France. Né en Picardie, dans l'Aisne, il put mener une véritable carrière d'artiste reconnue, bien que son réalisme le fit cataloguer comme passéiste et l'amena à sombrer dans l'oubli lorsque le modernisme triompha entièrement dans la bourgeoisie.

Dans la seconde partie du XIXe siècle, de par les contradictions historiques, la bourgeoisie ne fut pas en mesure de nier l'activité de Léon Lhermitte, alors que faisait encore rage le conflit avec l'aristocratie. Il reçut la grand médaille à l'exposition universelle de 1889, la légion d'honneur en 1884 puis devint commandeur de la Légion d'honneur en 1910, il participe comme jury à l’Exposition universelle de 1900 à Paris, etc...

Gustave Courbet n'a pas été en mesure de maintenir son réalisme et cela fut également le cas pour toute une série d'autres peintres. On sent ici qu'il a manqué toute une maturité pour faire dépasser la simple volonté de représenter le peuple.

Cette faiblesse est historique ; elle touche l'art, mais également le mouvement ouvrier, qui annonce déjà l'hégémonie réformiste social et syndicaliste « révolutionnaire »...

Emile Gros-Kost a été un ami de Gustave Courbet et dans Courbet : souvenirs intimes, il a raconté la vie de l'artiste. Gustave Courbet était un fervent noctambule, un caractère entier aisément centré sur sa propre personne. Cela était d'autant plus vrai qu'il ne savait pas écrire sans faute et compensait le manque de raffinement intellectuel par une dimension bourrue.

Voici comment, avec humour et sens de la mégalomanie, il raconte son passage en Allemagne. C'est un témoignage important, allant de pair avec son éloge de l'artiste comme caractère individuel unique...

La conception artistique de Gustave Courbet est indéniablement du réalisme ; toutefois, ce réalisme ne saurait être placé hors-contexte. Le réalisme de Gustave Courbet préfigure, au sens strict, le naturalisme d'Émile Zola : il se veut une représentation fidèle de la réalité, sans avoir à se soumettre à un idéalisme abstrait, ce qui ne veut pas dire qu'il soit un réalisme synthétique.

Voici Les casseurs de pierre (cliquer pour agrandir), un tableau emblématique de l'approche réaliste de Gustave Courbet dans ce qu'elle a de plus systématique, à défaut d'être synthétique, suivi d'une variante...

L'école de Port-Royal a pu profiter, dans le cadre de ses activités, du soutien d'un peintre : le belge Philippe de Champaigne (1602-1674). Au départ, celui-ci eut une carrière classique, progressant comme peintre pour le régime : d'abord pour la reine mère, Marie de Médicis, ensuite pour Richelieu, qu'il sera le seul à représenter en tenue de cardinal, onze fois au total. Il devient, dans ce cadre, en 1648, un des membres fondateur de l'Académie royale de peinture et de sculpture. 

Philippe de Champaigne prend cependant le parti pris de Port-Royal, où sa fille est pensionnaire, et où il pense qu'elle a été guérie miraculeusement de sa paralysie. La voici, dans son tableau le plus célèbre, intitulé Ex-voto. En-dessous, on a le Double portrait de Mère Agnès et de Mère Angélique...

Le triomphe de Ilya Répine au sein même des institutions d'une autocratie qu'il rejetait – confiant même son atelier pour des réunions secrètes de ses proches qui étaient bolcheviks – témoigne des contradictions de la monarchie, avec ici l'affrontement entre les forces féodales traditionnelles et la monarchie absolue.

De fait, le tsar Alexandre III, qui avait commencé son règne en 1881, ne pouvait que constater l'essor de la bourgeoisie et il décida qu'il fallait à tout prix en cesser avec le conflit avec les peintres ambulants. Aussi choisit-il de les reconnaître en tant que tel, s'ils intègrent l'académie, en quelque sorte comme courant artistique...

A la suite des ambulants développant leur réalisme, il exista un autre courant rejetant l'académisme, qu'on peut qualifier de « moderniste ». Porté par Serge de Diaghilev (1872-1929), célèbre pour ses « ballets russes » parisiens, et Alexandre Benois (1870-1960), le modernisme avait comme organe de presse Mir iskousstva (Le monde de l'art) et défendait l'ouverture culturelle aux pays où le capitalisme s'était élancé et l'acceptation des nouvelles formes.

La menace que cela faisait peser sur les ambulants fut parfaitement compris par Vladimir Stassov (1824-1906). Critique d'art ayant joué un rôle très important pour les ambulants, devenant en quelque sorte leur porte-parole en théorisant leur démarche, il mena une fervente bataille contre les modernistes, contre leur démarche consistant, pour reprendre ses formules, en du « trash décadent » et « une orgie de débauche »...

Vassili Sourikov est un excellent exemple de peintre ambulant reconnaissant toute son importance à la question historique et voici un dernier exemple très pertinent, puisque datant de 1906, l'année suivant la révolution de 1905. Stepan Razine présente ce dirigeant cosaque qui organisa une grande révolte contre l'autocratie, au XVIIe siècle, manquant de faire s'effondrer le régime et devenant un personnage de folklore...

L'artel avait réussi à promouvoir une indépendance des artistes réalistes par rapport à l'autocratie.

Le terme le plus exact serait ici celui d'autonomie ; l'artel avait d'ailleurs comme pratique de mener des réunions tous les jeudis, pour échanger sur la situation sociale, les questions artistiques...

Le choix de la peinture dite de genre fut effectué par les peintres eux-mêmes et pourtant, cela put s'insérer dans la société où le tsar décidait de tout. Comment cela a-t-il pu se passer ?

En fait, le tsar avait compris que le développement de son pouvoir nécessitait la reconnaissance de la modernisation, exactement comme avec la monarchie absolue au XVIIe siècle en France. Cela fait qu'au milieu des années 1850, c'est une seconde vague des peintres démocratiques qui intervient en fait, après l'échec de la première qui était par contre née contre le régime...

Pour comprendre la dynamique des ambulants, il faut saisir la situation des arts et des lettres dans le cadre historique de l'époque. Lors de la première moitié du XIXe siècle, les peintres étaient considérés en Russie comme un simple outil idéologique de l'autocratie, qui passait des commandes et surveillait toutes les activités artistiques ; il y avait très peu de connaissances de la peinture dans les autres pays, et les artistes venaient des couches inférieures de la société, étant dévalorisés et à la merci dans un système de castes.

Il n'existait que deux lieux pour l'existence sociale des peintres, qui étaient sinon à la merci du régime, notamment du service militaire et des impôts s'ils venaient de la paysannerie et de la petite-bourgeoisie : l'Académie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg et l'Institut moscovite pour la peinture...

Les surréalistes ont su particulièrement mettre en scène leurs interventions artistiques, étant largement soutenus par une partie de la haute bourgeoise. Sans la vente des œuvres et la reconnaissance sociale à haut niveau, les surréalistes n'auraient pas pu exister en tant qu'artistes.

Les deux grandes jeunes figures s'agitant dans la scène artistique au début du XXe siècle sont Tristan Tzara et André Breton ; Tristan Tzara a initialement joué le rôle moteur.

Tristan Tzara, de son vrai nom Samuel Rosenstock (1896-1963), est un juif roumain, issu de la haute bourgeoisie et massivement influencé par le symbolisme français ainsi que par Guillaume Apollinaire...

La figure de « Joris-Karl » Huysmans est incontournable du décadentisme de la fin du XIXe siècle, qui est de fait principalement un romantisme noir ; le roman Là-bas de « Joris-Karl » Huysmans, paru en 1891, traite de la scène parisienne de l'occultisme, du spiritisme, de l'astrologie, avec une fascination profonde pour le diable, etc., alors que le personnage principal étudiant la figure de  Gilles de Rais, le principal compagnon de Jeanne d'Arc qui fut mis à mort pour le viol et la mise à mort d'une centaine d'enfants.

En voici un extrait, dont on reconnaît le kitsch déjà présent chez Charles Baudelaire...

Pour comprendre le double caractère du baroque dans certains pays, on peut prendre en exemple l'oeuvre du peintre Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), appelé en français Caravage ou plutôt Le Caravage.

Chaque nation développe certains traits particuliers, qui formeront une contribution à l'humanité unifiée dans le processus que Karl Marx et Friedrich Engels ont appelé le socialisme, précédant la société communiste.

La société italienne n'ayant pas du tout connu le protestantisme, on doit par conséquent discerner dans quelle mesure le caractère national-bourgeois s'exprime, malgré tout, dans voire contre le baroque. Quand on voit cette terrible difficulté, on ne peut qu'être heureux des situations française et tchèque, où le baroque est clairement un objet extérieur, opposé au caractère national-bourgeois...

Le baroque fut un outil utilisé par la monarchie autrichienne, rejeté par la monarchie française, mais il est avant tout une expression directe du Vatican.

Historiquement, le baroque initial est avant tout italien ; la moitié des saints est historiquement italienne, comme la quasi totalité des papes : le Vatican a pu faire du pays l'abritant un bastion. Pour cette raison, le baroque italien est d'une richesse démesurée, s'appuyant également sur une aristocratie puissante, passant de la Renaissance et son faste à une affirmation féodale nette.

Là où la situation se complique d'autant plus, c'est avec le manque d'unité nationale italienne. La Sicile, Naples, Rome connaissent des variantes de baroque, même si on reconnaît évidemment la localisation dans le sud du pays, bien plus arriéré sur le plan du mode de production.

La compréhension du baroque exige une vision précise de la situation propre à chaque pays, sans quoi on arrive à des contradictions patentes. Un exemple « classique » d'erreur complète des commentateurs bourgeois en France concerne le tableau « Les ambassadeurs », de l'allemand Hans Holbein le jeune (1497-1543).

Selon eux, en effet, l'anamorphose – avec un crâne déformé « caché » au premier plan - fait que ce tableau serait « baroque ». Ce n'est nullement le cas.

En réalité, ce crâne est une allusion à la devise d'un des deux ambassadeurs représentés. Jean de Dinteville avait en effet comme devise « memento mori » (souviens-toi que tu vas mourir), et le globe terrestre à l'arrière-plan est centré sur l'Europe et indique même Policy, c'est-à-dire Polisy, le petit domaine de Jean de Dinteville...

Vassili Grigorievitch Perov (1834-1882) est un peintre immense, totalement inconnu des masses, et pour cause : la bourgeoisie décadente préfère les Salvador Dali et les Marcel Duchamp aux figures illustres du réalisme.

Ici, Vassili Grigorievitch Perov appartient bien sûr au courant des « ambulants », qui ont parcouru la Russie pour montrer la réalité telle qu'elle est. Il est leur figure la plus âgée et pratiquement le premier à insuffler la dimension critique dans le réalisme ; en cela, il est ici très proche des frères Le Nain.

Deux œuvres majeures sont à considérer ici : Troïka, ainsi que La dernière taverne à la porte de la ville. Ce sont deux œuvres magistrales, une affirmation du réalisme porté à un niveau formidable. On y retrouve la même acuité dans l'expression de la souffrance, pleine de dignité. Jamais le peintre n'est hautain, et il préfère forcer le trait aux dépens du réalisme s'il le faut (comme chez les frères Le Nain) afin de bien souligner l'aspect lui semblant central, cela bien entendu en conservant la complexité générale et la synthèse de la réalité...

Le baroque, forme de la contre-réforme, a réussi à mettre en place tout un système artistique autour du thème de la vanité. C'est une démarche tout à fait cohérente et aisément compréhensible : pour contrer l'humanisme et le protestantisme, qui en appellent à la raison, le baroque a affirmé de très nombreuses manières que tout est vain, que rien n'a de sens, que rien ne sert à rien.

Cela donne un mot d'ordre – « memento mori », « souviens toi que tu vas mourir » - qui devient essentiel au catholicisme, et une série de représentations, communément appelé « vanités », du terme employé dans le passage biblique « vanité des vanités, tout est vanité »

Le plus couramment existant sous la forme de peintures, les vanités montrent des « rappels » : on a ainsi un crâne, symbole de la mort, parfois un sablier pour désigner le temps qui passe. On a cependant également une systématisation de cette présentation allégorique, avec une fleur dans un vase (qui va donc faner), on fruit (qui va pourrir), une bougie allumée (qui va se consumer), etc.

Jules Champfleury (1821-1889) venait de Laon en Picardie, tout comme les frères Le Nain. Et il s'avère qu'il fut un ami de Gustave Courbet, et le principal théoricien du réalisme en France.

S'il écrivit d'ailleurs « Le réalisme », il fut également à l'origine d'une œuvre sur la peinture des frères Le Nain, permettant à leurs œuvres d'être connues et reconnues.

Il était, bien entendu, un grand admirateur d'Honoré de Balzac, ce qui témoigne de l'importance de Jules Champfleury, simple autodidacte devenu journaliste, intellectuel, assumant le camp du réalisme...

Il est tout à fait dans l'esprit de l'époque que l'un des frères Le Nain, en l'occurrence Mathieu, soit parvenu à devenir peintre de la ville de Paris, avec comme tâche de dresser des portraits des marchands, des notables, des écrivains, des événements marquants de la vie de la ville, et même à dresser la décoration pour les cérémonies officielles (fêtes, naissances et enterrements ainsi que mariages princiers, etc.).

La bourgeoisie sait reconnaître ce qui lui appartient, et qu'est-ce qui lui appartient davantage alors que le réalisme ? Le tableau « La forge » fit ainsi forte impression au XVIIe siècle, montrant évidemment l'irruption du travail comme réalité dans une époque encore dominée par l'aristocratie et son mépris du progrès intellectuel et de l'activité manuelle...

Deux « artistes » sont portées aux nues par la bourgeoisie en tant que représentants de l'existentialisme: Alberto Giacometti (1901-1966) et Francis Bacon (1909-1992). Si l'art contemporain reflète absolument les principes « post-modernes », tant Alberto Giacometti que Francis Bacon sont considérés comme montrant le plus ouvertement la « réalité » de la « condition humaine ».

Pour cette raison, les oeuvres d'Alberto Giacometti et de Francis Bacon valent une fortune aux yeux de la bourgeoisie. La sculpture d'Alberto Giacometti «L'homme qui marche I» a été vendue en 2010 aux enchères chez Sotheby's pour 74,2 millions d'euros, ce qui fit d'elle la sculpture la plus chère du monde.

L'oeuvre la plus chère du monde jamais vendue aux enchères est de Francis Bacon: « Trois études de Lucian Freud », vendue 106 millions d'euros chez Christie’s en novembre 2013...

Elisabeth Vigée-Lebrun est une figure de l'histoire de notre pays ; elle appartient à ces artistes produit par la bourgeoisie, qui affirment le réalisme, et soutiennent la cause des femmes.

Elisabeth Vigée-Lebrun est donc à ajouter à la liste des combattants progressistes d'alors : les Molière, Marivaux, Beaumarchais !

L'apparition de l'art contemporain et de l'idéologie post-moderne est parallèle au développement des forces productives. Les développements industriel et technique ont permis aux larges masses d'accéder non seulement à davantage de biens matériels, mais, en plus, de faire en sorte que ces biens disposent d'une certaine esthétique.

La contradiction entre l'apparition de cette consommation de masse et le caractère capitaliste de la production est ainsi au cœur des questions culturelles dans le domaine des arts et des lettres...

La Hollande était au dix-septième siècle la nation capitaliste par excellence. Karl Marx explique comment le pillage colonial va développer les échanges, faisant du port d'Anvers la capitale mondiale du capitalisme...

Jheronimus Bosch (vers 1450 – vers 1516), de son vrai nom Hiëronymus van Aken (c'est-à-dire Jérôme d'Aix-la-Chapelle), est un peintre flamand qui a poussé le plus loin la complexité du « multiple », face à « l'unité » divine abstraite.

Depuis La chute des anges rebelles et La tour de Babel, jusqu'à Paysage hivernal avec patineurs, Pieter Brueghel est un titan du réalisme.

La Descente de Croix et Le changeur et sa femme sont des étendards du réalisme, deux somptueuses oeuvres de la peinture flamande.

Le réalisme de la peinture flamande est un phénomène de classe. La mise en perspective témoigne déjà d'une volonté de complexité, de recherche de la sophistication, c'est-à-dire de l'esprit de synthèse...

La peinture flamande représente un art d'une très grande valeur historique. Elle est le fruit du mouvement qui donne naissance à la bourgeoisie ; elle est un aboutissement culturel et idéologique de grande importance.

Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Edvard Munch: trois peintres mis en avant par la bourgeoisie comme des grandes figures, et pour cause: ils représentent l'affirmation subjectiviste, dépassement impressionniste de l'impressionnisme.

Si l'on propose à quelqu'un de lire du Balzac aujourd'hui, il trouvera cela barbant. On dit d'ailleurs « du » Balzac, « du » Flaubert, mais « un » Camus. En fait, la littérature moderniste, simple divertissement moderniste, l'a d'autant plus emporté que pour les masses, le réalisme est ennuyeux.

Le triomphe de la fantasy, du fantastique, depuis Harry Potter jusqu'à Twilight en passant par le seigneur des anneaux, témoigne de cette acceptation de la fuite dans l'irrationnel. Twilight consiste en quatre romans qui se sont vendus à 48 millions d'exemplaires aux États-Unis et à 4,6 millions dans notre pays...

Posons la question simplement : pourquoi en France tout le monde connaît-il Picasso, au moins de nom, alors que c'est une peintre sans technique ni dimension aucune, alors qu'absolument personne ne connaît les ambulants ?

La raison en est simple. Déjà, les ambulants étaient des démocrates, qui à la fin du XIXe siècle organisaient des expositions ambulantes, et qui peignaient la réalité, le peuple.

Or, des démocrates, au service du peuple, cela ne colle pas avec l'idéologie dominante où le peuple est considéré comme idiot et rempli de vices, à l'opposé des élites qui seraient cultivées. La bourgeoisie adore cette fiction, qu'elle distille par ailleurs dans ses multiples séries télévisées policières...